Серпуховский историко-художественный музей — богатейшая коллекция Подмосковья

Серпуховский историко-художественный музей — это одно из богатейших музейных собраний Подмосковья. Он расположен в особняке, который более 100 лет назад принадлежал старообрядческой семье Мараевых. Здание построено по проекту московского архитектора Р.И. Клейна в 1896 году.

На улице возле входа посетителей встречают свидетели Великой Отечественной войны, сохранившиеся до наших дней. Вот тяжелая немецкая полевая гаубица образца 1933 года, которая была взята как трофей при наступательной операции в 1941 году в районе Очаковских гор.

Параметры этого орудия поражают: длина ствола 4.4 метра, масса более 5 тонн, а максимальная дальность стрельбы более 13 км! И еще впечатляет «смертельная рана», которую получила эта гаубица:

толстые куски металла порваны словно лист картона.

А рядом на земле хранится авиационная осколочная бомба образца 1935 года, тоже произведенная в Германии и обнаруженная на территории города Серпухова в годы ВОВ. Ее длина 2.75 метра, а вес в боевом снаряжении 1 400 кг.

Но вернемся к Серпуховскому музею. Цены на входные билеты и экскурсии, режим работы, а также где находится историко-художественный музей на карте Серпухова, Вы найдете в конце этой статьи. А пока я хочу поделиться интереснейшим рассказом, который мы услышали, заказав экскурсию.

Хозяйка дома

В фойе при входе в здание обращает на себя внимание большой портрет. Это изображение хозяйки дома: Анны Васильевны Мараевой. Портрет современный, но выполнен он по старинной фотографии, которую также можно увидеть в музее.

Анна Васильевна Мараева — женщина сильная и незаурядная. Она не только сумела воспитать 8 детей, но и оставшись одна после смерти мужа, управляя мануфактурным делом, сумела удвоить оставленное ей состояние и даже стать купчихой 1 гильдии.

Что же касается собрания предметов искусства, то оно складывалось в доме Мараевых стихийно. Поскольку семья была старообрядческая, в ней было очень трепетное отношение к иконам. Они собирались по храмам и брошенным скитам.

Причины приобретения художественной коллекции до конца не ясны. Возможно, Анна Васильевна Мараева хотела выручить своего давнего знакомого, который вложил в сбор много сил и денег, да так и разорился, а может быть это был вклад в ценности в то смутное время. Ведь за своё первое приобретение Мараева заплатила неслыханную сумму — 50 тысяч рублей золотом!

Именно эта часть коллекции является основой экспозиции сегодняшней выставки. Позже фонды музея пополнялись: сюда попадали предметы искусства из разоряемых храмов и брошенных хозяевами усадеб, предметы старины с различных базарчиков и распродаж.

Сейчас музей обладает редчайшими произведениями, в том числе уникальными работами авангардистки Натальи Сергеевны Гончаровой и скульптора Сергея Тимофеевича Конёнкова, а также огромным количеством икон московской школы.

Художники абрамцевского кружка

Виктор Васнецов был одим из участников абрамцевского (мамонтовского) кружка, основанного 1872 году. В Серпуховском музее представлен первый вариант его знаменитой картины «Витязь на распутье», написанный в 1878 году.

Именно эта картина представлялись на мировой выставке в Нью Йорке в 2006, и президент В.В.Путин снят журналистами как раз на фоне этой картины.

Окончательный и более фундаментальный вариант полотна «Витязь на распутье», который более всем известен, сейчас хранится в Русском Музее Санкт-Петербурга, но написан он уже позже в 1882 году.

В этом же зале представлены предметы с резьбой по дереву. Они производились в мастерской Абрамцево: это мебель, многочисленные полочки, шкатулки, которые изготавливались по эскизам знаменитых художников.

Анна Васильевна Мараева с удовольствием приобретала эту продукцию дял своей усадьбы. В экспозиции музея представлена прижизненная мебель, используемая хозяйкой дома и выполненная по эскизам резчиков мастерской, которой руководила сестра Анны Васильевны.

В музее представлены уникальные образцы мастерства гениальных резчиков того времени. В годы Великой Отечественой войны вся коллекция вывозилась из города и сохранялась вдалеке от района боевых действий.

Пейзажная живопись

В музее представлена обширная коллекция шедевров пейзажной живописи второй половины 19 века. В этот период этому направлению уделялась весьма скромна роль: ведь с появлением фотографии, казалось бы, этот вид искусства обречен на вымирание. Но проиизошло обратное: пейзажная живопись возродилась как неповторимый человеческий взгляд на мир, как задушевная исповедь автора.

Например, картины основоположника лирического пейзажа А.К. Саврасова. Его знаменитые «Грачи прилетели», ставшие живописным символом России, известны далего за пределами страны. Здесь же находятся другие его менее известные полотна.

Вот необычный пейзаж кисти Саврасова «Лунная ночь. Болото», 1870.

На этом полотне художник изобразил ничем не примечательный уголок российского захолустья. Так кажется на первый взгляд. Но при этом художнику удалось найти удивительную связь между тем, что он изображает, и светом.

На этом полотне он гениально передаёт зыбкую лунную субстанцию, которую зритель просто чувствует и осязает наяву. На холсте лунный свет, пробивающийся сквозь облака, мерцает на листве кустарника как золотые блики. И это всё достигается при помощи красок одного цвета!

Не удивительно, что когда картина была представлена на выставке в Москве, она собрала очень много положительных откликов. В одном из отзывов написано, что женщина 3 раза возвращалась, чтобы внимательнее рассмотреть и полюбоваться на эту, казалось бы, не очень примечательную картину гениального Саврасова «Лунная ночь. Болото».

А вот произведения совершенно другого направления, наполненные мощью природы, чудесами русского леса, показанные через силу и настроение шедеврального Ивана Ивановича Шишкина.

В музее есть его зимний пейзаж «Еловый лес зимой». Здесь он разрабатывает редкую для его творчества тему снега. Подобных «зимних» работ написано совсем немного: всего около 10 картин.

Снежный покров на полотне, сливаясь с густотой елового леса, тем не менее резко контрастирует с резким энергичным ростом деревьев в высоту. Это подчёркивается ещё одним приёмом — мы видим стволы как бы срезанные краем холста.

Даже оригинальная рама этой картины выполнена по эскизу самого художника Шишкина, а украшена обычным пшеном, только бронзированным… Но как всё это эффектно смотрится!

Шишкин был, как говорили его коллеги по цеху, специалистом по написанию картин научным образом, потому что он старался тщательно выписывать каждый листочек, каждую травинку, чтобы была узнаваема порода деревьев. Вот его картина «Сестрорецкий бор», 1896.

В залах музея представлены образцы ваз, подражающих французским. Самая крупная из них расписана известным художником Красовским в 1870 году с использованием цветочного орнамента.

Но чаще для росписи использовались сцены из жизни семьи императора.

Передвижники

В музее целый зал посвящён выставке работ художников-передвижников. Это товарищество было создано в 1870 году и просуществовало около 50 лет. За это время они провели 48 выставок в разных городах России, как бы передвигая свои работы по центральной части территории страны. Отсюда и название — передвижники.

Часто обыватель, простой человек, приходя на такие выставки, узнавал в персонажах картин себя и своих близких. Естественно, хотел видеть их довольными и счастливыми. Поэтому тема страданий народа во 2-й половине 19 века вытесняется картинами более светлого содержания, не хитрого быта простых людей.

Автор вот этого монументального полотна В.Е. Маковский. Он посвятил её светлому празднику Пасхи в скромной деревне Селище Орловской губернии.

Картина привязана к определённому месту, носит и этнографический характер. Изображён крестный ход во главе со священником, который проходит накануне праздника. Во время этого действа обходился каждый двор прихода, чтобы освятить пасхальную снедь: куличи и крашеные яйца.

Надо сказать, что такие большие монументальные полотна не свойственны для такого художника как Маковский. Он предпочитал писать небольшие жанровые картины. Их также много представлено в этом зале.

Очень трогательная работа Маковского «Поздравление с Ангелом», наполненная чувствами любви, умиротворения и заботы друг о друге.

На картине изображена престарелая пара. Супруга только что вернулась из храма после Обедни, говорит мужу какие-то теплые слова. Он ее ждал: на столе закипает самовар, накрыт стол.

В честь праздника супруг надел свой лучший жилет. У обоих удивительные умиротворенные лица.

Насколько точно художник уловил все мелкие детали и изобразил персонажей с большой любовью!

А вот портрет Николая Ярошенко «Цыганка». Очень живая работа: создается ощущение, что сейчас эта цыганка перегнется через подоконник.

Этот эффект усиливается специальным приемом «двойная кадрировка», когда рама холста совадает с рамой окна.

И еще одна картина, которая очень понятно рассказывает свою историю. Это полотно И.М Прянишникова «В ожидании шафера».

Шафер — это друг жениха, который приезжает в дом к невесте и увозит ее к жениху в церковь. Говоря современным языком, это — свидетель на свадьбе.

В ней художник обращается к теме неравного брака, но трактует ее очень деликатно, на языке деталей.

Престарелого жениха на картине не видно, зато внимание зрителя сразу же приковывает образ свахи, которая вольяжно восседает на переднем плане и даже позволила себе закурить, что, по тем временам, было для женщины шагом неслыханной смелости.

По такому ее поведению сразу понятно, что она чувствует себя хозяйкой положения: ведь она нашла выгодную партию для невесты. Даже отец немного робеет перед вольным поведением свахи. А прекрасная невеста, несмотря на восхитительный свадебный наряд, выглядит очень печально.

Прянишникова называли Островским в живописи, настолько его произведения были точны и жизненны.

Парадная гостинная Мараевых

Бывшая парадная гостинная в доме Мараевых или Белый зал оформлен в подражании Дворцовым залам в стиле ампир, эпохи Наполеона Бонапарта.

Как видите, основной цвет стен белый. А потолок щедро украшен лепниной и другими элементами декора.

В интерьере представлен малахитовый стол. Часть стола, называемая подстольем, украшена женскими фигурками.

Столешница, на первый взгляд, кажется единой малахитовой плитой. Но на самом деле, это металлическая доска, которая облицована кусочками малахита, а стыки между ними не видны, благодаря тщательной замечательной полировке.

При этом выложены они не просто так, а в виде причудливых узоров. Такую технику впервые применили наши уральские камнерезы в конце 18 века, и она получила название «Русская мозаика».

А стулья сделаны из необычной и редкой породы дерева: карельской березы. Она обладает мраморовидной текстурой с золотистым оттенком.

Конец 19 — начало 20 века.

Период очень непростой: войны, революции, экономические спады и подъёмы, открытия в науке и технике. Всё это не могло не отразиться на культуре. В этот период она испытывает необыкновенный подъём. Период так называемого Ренессанса, который наш философ Николай Бердяев назвал «Серебряным веком русской культуры».

Искусство этого времени характеризует разнообразие творческой жизни, создание творческих объединений. В частности, в 1903 году был организован Совет русских художников. Они считали себя приемниками передвижничества и декларировали в своих правилах отсутствие всякого жюри и предоставления полной свободы всем художникам.

Основная тема их произведений — изображение русской природы, старинных российских городов и дворянских усадеб.

И, конечно, художники того времени рубежа веков, ищут новые средства выражения. Ими становятся свет и цвет. И самое главное, меняется техника живописи. На смену гладкому иллюзорному академическому письму приходит техника рассеянного мазка, пастозность красок. И вот этот открытый раздельный мазок становится главным выразительным средством в создании образа.

Константин Фёдорович Юон, автор полотна «Весенний вечер. Ростов Великий» пробовал себя в различных жанрах искусства. Вот этот мазок хорошо виден в его картине.

Этими сильными сочными мазками он пытается передать надёжность крепостных стен, мерцание закатного неба, рыхлость весеннего снега. Все эти мотивы дополняют друг друга и создают единое живописное пространство.

Авангард

Начиная с 1910 года начинают появляться интересные картины молодых художников: яркие, вызывающие, пронизанные движением, отражающие мир как бы в кривом зеркале, нарушающие существующие нормы и правила.

Это направление в живописи получило название авангарда или авангардизма, что в переводе с французского обозначает передовой отряд, передний край.

Отличительная особенность авангарда — его открытость перед публикой. Мерой успеха таких произведений является не принятие их внутреннего совершенства, а то впечатление, которое картина производит на публику.

Авангард будоражит, озадачивает, возмущает, но ни в коем случае не должен оставить равнодушным. Что чаще всего и происходит. Рассматривая эти картины, мы можем возмущаться, удивляться, можем говорить, что и я так умею, но это всё говорит о том, что мы не остались равнодушными. 🙂

Картины Натальи Сергеевны Гончаровой

Серпуховский Художественный музей обладает прекрасной коллекцией Натальи Сергеевны Гончаровой (1881-1962). Её называли амазонкой русского авангарда. А еще она была внучатой племянницей Натальи Николаевны Гончаровой — жены поэта А.С. Пушкина.

Наталья Сергеевна — уроженка Тульской области, закончила Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Причём изначально она поступала на скульптурное отделение, но познакомившись со своим будущим мужем — художником Ларионовым, — перевелась на живописное отделение.

Он сказал ей следующее: «Ты должна открыть глаза на свои глаза». Он сумел рассмотреть в ней талант живописца и не ошибся, потому что и по сей день картины Гончаровой — самые дорогие в мире среди всех женщин-художниц.

Специалисты искусствоведы усматривают несколько периодов в творчестве художницы. К 1906 году она создаёт серию живописных цветочных натюрмортов, рассматривая цвет как природное предназначение цветка, выражение его сути.

Один из «букетов» кисти Н.С. Гончаровой, экспонировавшийся на выставке 1908 г., отметил такой взыскательный ценитель, как В.А. Серов.

В зале музея представлен натюрморт «Георгины».

Начиная с 1907 года, Наталья Сергеевна сознательно переходит к простоте примитивизма, упрощая манеру письма. Специалисты подчёркивают пластичность и звучность сочетания красок и создаваемых образов на картинах Гончаровой.

В этот период появляются ее работы «Стрижка овец» и «Бабы с граблями», а также более поздняя картина «Хоровод».

Несмотря на достаточную плоскость картин и отсутствие глубины, в них выражается не просто стиль, но мировозренческая суть крестьянского хозяйства.

Западно-Европейская живопись

Одним из самых ярких и плодотворных явлений в живописи Западной Европы 17 века стала фламандская школа, которую отличают зрелищность и динамизм композиций, щедрость палитры, свобода письма, богатство значений и праздничная энергетика образов.

Напротив, немецкая школа живописи 17-18 веков занимала скромное место, почти всецело подчиняясь иностранному, в первую очередь, итальянскому и голландскому влияниям. Впрочем, ее спокойная трезвость и добротная тщательность и теперь, как и всегда, своеобычны и привлекательны для зрителя.

На рубеже 17-18 столетий господствующим родом живописи стали большеформатные декоративные композиции, предназначенные для дворцовых интерьеров.

А вот морские пейзажи и уличные сценки. А также натюрморты, которые не просто изображали различные элементы природы, но через определенные символы, которые прорисовывал художник, можно было расшифровать секрет того, что он хотел рассказать зрителям.

А в основу этих картин положены сюжеты из Библии. Они явно предназначены для церковных интерьеров.

Выставка икон

В художественном музее Серпухова представлена выставка «Православные древности Серпуховского края». Два просторных зала отведены под экспозицию.

Здесь представлены иконы, церковные книги и другая богослужебная утварь, предметы декоративно-прикладного искусства. Все эти древние ценности взяты из серпуховских храмов и монастырей, а также из личного архива А.В. Мараевой: ведь ее коллекция была одной из известнейших среди старообрядческих собраний Московской губернии.

Самые старинные произведения, которые находятся на выставке, относятся ко второй половине 15 века. Это серебрянная панагия из Владычного монастыря и новгородская икона «Святой Николай с житием», которая был привезена из Покровской старообрядческой церкви.

На витрине представлено напрестольное Евангелие, которое ранее находилось в храме Спаса Нерукотворного Образа, Серпуховской области. Год издания этой книги 1759 и напечатана она была в Москве.

Латунный оклад к Евангелию был добавлен позже и относится к 1-й четверти 19 века. Интересно, а сколько все это может весить?

Скульптура «Христос в темнице» относится к 18 веку. Подобные вырезанные скульптурные изображения можно было встретить во многих городских и сельских храмах русской провинции.

Одним из шедевров декоративно-прикладного искусства, который находится на выставке, является резной крест 17 века из Высоцкого монастыря.

Эта историческая реликвия уникальна для Подмосковной обители. Это произведение поствизантийского искусства было пожертвовано Высоцкому монастырю патриархом Филаретом.

Выставка «Магия фарфора»

Фарфор представляет собой самый благородный и наиболее совершенный из керамических материалов. Первоначальное отношение европейцев к фарфору как к особо ценному материалу объясняется незнанием секрета его изготовления.

Большинство исследователей истории фарфорового производства сходятся во мнении, что впервые фарфор появляется в Китае в V-VI веках. Японские фарфористы сумели наладить собственное производство лишь в XV веке.

По легенде, первый фарфоровый сосуд привез в Венецию в 1295 году знаменитый итальянский путешественник Марко Поло. С этого времени фарфоровые изделия ввозятся в Европу.

Европейцы сразу оценили новую керамику.

Как почти со всеми предметами, появившимися с Востока, с фарфором связывалось множество суеверий: европейцы верили в магическую силу фарфоровых изделий. Не случайно восточный фарфор в Европе ценился чуть ли не на вес золота.

«Фарфоровая лихорадка», охватившая всю Европу в XVIII веке, сделала идею его «изобретения» почти такой же значительной, как стремление алхимиков получить золото.

История русского художественного фарфора — одна из самых интересных страниц истории отечественного искусства. В России собственная фарфоровая мануфактура была основана в 1744 году в Санкт-Петербурге, а с 1765 года она поменяла название и стала величаться «Императорский фарфоровый завод»).

Благодаря деятельности и таланту Дмитрия Ивановича Виноградова, ученого-керамиста и появляется русский фарфор. Над совершенствованием его рецепта учёный работал всю жизнь.

Этот хрупкий и тонкий материал сумел объединить в себе и скульптуру, и живопись, и графику.

Со времени основания в России Императорского фарфорового завода, развитие русского художественного фарфора находилось в неразрывной связи со всеми новыми веяниями в изобразительном искусстве и архитектуре.

Благодаря своей синтетичности, фарфор, наравне с другими видами искусства, отражал исторические события, происходившие в русском обществе.

Положение фарфора в русской культуре, его общенациональная значимость определены широтой вовлечения в культурное творчество самых разных социальных кругов, и им присущих типов художественного сознания.

В процессе своего развития художественный фарфор как неотъемлемая часть изобразительного искусства испытывает влияние новых стилистических тенденций и отражает художественные и духовно-эстетические идеи своего времени.

Выставка самоваров

В отдельной комнате Серпуховского краеведческого музея открыта выставка, посвященная самовару. В витринах представлены многочисленные представители этого популярного агрегата.

Спектр чайного оборудования весьма широк: от привычных и всем известных экземпляров до экзотических, выполненных в различной форме, а также совершенно разных по размеру.

Ряд этих чайных представителей использовались на каждый день, а некоторые выставлялись на стол лишь по праздникам.

На стенах висят описания про историю возникновения самовара.

А еще интересна схема того, как привычный самовар устроен. На этом рисунке приведены названия всех элементов известного устройства.

Так что можно только удивляться, как такой казалось бы привычный аппарат может иметь в своем составе столько разнообразных деталей, да еще и со своими названиями. 🙂

Вы можете увеличить картинку и самостоятельно изучить все имеющиеся запчасти. И когда-нибудь, возможно, сможете удивить окружающих своими познаниями в области чайного дела. 😀

На витринах и столах разложены различные рецепты чая, чайных напитков, бальзамов, сбитней, которые рекомендуется применять при различных заболеваниях. Но не только. Многие предназначены для вполне себе здоровых людей: для увеличения жизненной силы и богатырского здоровья.

В зале представлены многочисленные художественные полотна, которые так или иначе связаны с процедурой чаепития,

а также прочая домашняя утварь, без которой так трудно представить себе посиделки вокруг самовара.

Выставка камня

В Серпуховском историко-художественном музее находится минералогическая выставка «Сокровища подземного царства». Здесь расположена уникальная частная коллекция камней, котрую собрал Владимир Романович Кирницкий, житель Серпухова, который по совместительсту является городским депутатом.

В отдельном зале музея Серпухова представлена лишь малая часть того, что было собрано коллекционером за более, чем 10 лет. Подробнее об этой выставке камней читайте: «Выставка камней в Серпуховском музее Подмосковья».

Где находится, режим работы

Художественный музей находится по адресу: Московская область, г. Серпухов, ул. Чехова, д.87.

Координаты (парковка): 54.90375, 37.42468. Кстати, посетителям музея парковкой можно воспользоваться бесплатно, и время ее работы совпатает с графиком работы музея.

На карте Вы можете определить точное местонахождение (нажимайте «+» или «-«, чтобы приблизить или отдалить изображение.

Часы работы Серпуховского историко-художественного музея. А график у него непростой. 🙂

• Понедельник — выходной.
• Вторник — с 13:00 до 17:30
• Суббота — с 10:00 до 19:00
• Остальные дни — с 10:00 до 17:30.

Цены на экскурсии и входные билеты

Цены на входные билеты в Серпуховский историко-художественный музей:

• 150 руб. — взрослые;
• 100 руб. — пенсионеры;
• 80 руб. — школьники;
• 220 руб. — интуристы.

В эту стоимость входит самостоятельное посещение основной художественной экспозиции, а также осмотр выставки икон, фарфора и самоваров.

Выставка камней серпуховского коллекционера Владимира Кирницкого оплачивается отдельно, но об этом подробнее рассказано в этой статье.

Здесь также можно заказать посещение с экскурсией Покровской старообрядческой церкви, которая в настоящее время находится в ведении музея. Подробнее об этом удивительном храме, который расположен рядом со зданием музея и об экскурсионной программе читайте в этой статье.

Фотосъемка оплачивается отдельно — 150 руб., видеосъемка — 550 руб., профессиональная фотосъемка — 1000 руб.

В кассе музея дополнительно можно заказать экскурсию по художественной выставке картин. Экскурсионное обслуживание для группы менее 5 человек нам обошлось в 880 руб.

Чтобы удобно путешествовать по Подмосковному Серпухову, можно легко снять в городе или пригороде квартиру или комнату на сервисе Airbnb, или же через Букинг забронировать отель в любом удобном месте.

Наша поездка состоялась 23 июля 2016 года. А еще в этот день мы посетили старообрядческий Покровский храм, который расположен поблизости и интересную и очень увлекательную выставку скульптур из бетона под открытым небом: «Берендеево Царство».

На карте ниже представлены другие достопримечательности Московской области, где мне удалось побывать. Подробнее о каждой из них можно посмотреть здесь.

Поделитесь в комментариях внизу, а какие музеи в провинциальных городах Вы посещали и какие из них произвели самое большое впечатление.